Rede von Antonella Barone anlässlich der Ausstellungseröffnung von Hanga Séra, Your breath is my home, am 15. September 2023


Sehr geehrtes Publikum

Auch meinerseits möchte ich euch herzlich willkommen heissen. Ihr fragt euch vielleicht, warum ausgerechnet ich heute hier vorne stehe und euch etwas zur Ausstellung erzähle. Doch als Hanga Séra mich anfragte, ob ich ihre Einzelausstellung hier im Beletage Art Space mit einer Ansprache eröffnen möchte, konnte ich nicht anders, als ihre Einladung dankend annehmen. Denn in gewisser Hinsicht empfinde ich mich selbst – auch wenn nur im bescheidenen Masse – als Element ihrer Arbeit.

Die Ausstellung – und ihre neuste Serie, die in diesem Rahmen präsentiert wird – trägt den Titel «Your breath is my home» und Hanga und ich begegneten uns zum ersten Mal im Jahr 2021 an jenem Ort, den ich für mich als «My Home» definiere: Balzers.

Unsere Pfade kreuzten sich erstmals, als Hanga im Kunstatelier im denkmalgeschützten Turmhaus in Balzers war. Dort hatte ich die Gelegenheit, sie zum ersten Mal zu besuchen und dort entstand ein weiteres Werk, das nun hier im Beletage Art Space präsentiert wird: «Balzers Diary». Diese Balzner Tagebücher, die sie für uns öffnet, offenbaren etwas Persönliches, das jedoch nicht von Anfang an persönlich war, sondern durch Verarbeitung und Verinnerlichung zu etwas Eigenem wurde.

Diese Eigenschaft, die sich in vielen ihrer Werke widerspiegelt, fungiert als ein verbindendes Element zwischen Hanga und mir als Balznerin. Es ist eine Art Liebesbeziehung zu einem Ort, der für mich und alle Balzner*innen als «Zuhause» definiert wird. Ein Ort, den Hanga in ihre Arbeit integrierte und mit dem sie eine innige Beziehung aufgebaute. Dieses «Zuhause» erstreckt sich nicht nur auf die historischen, denkmalgeschützten Mauern des mittelalterlichen Turmhauses, in dem die Künstlerin ihre Artist-in-Residency absolvierte. Es umfasst auch das abgeschiedene Dorf mit weniger als 5’000 Einwohner*innen, das wie ein Relikt aus vergangenen Zeiten wirken mag, wo man den Eindruck haben könnte, in einem mittelalterlichen Turm von der restlichen Gesellschaft isoliert zu sein. Doch gerade in der Isolation, erkannte Hanga die Bedeutung lokaler Verbindungen, zwischenmenschlicher Netzwerke und eines Gefühls der Zugehörigkeit. Trotz der räumlichen Entfernung von ihrem eigentlichen Zuhause fand sie in Balzers ein neues «Daham», wie man dort sagt.

Die Sprache – und insbesondere die Eigenheiten der lokalen gesprochenen Mundart – nehmen eine entscheidende Rolle in Hanga Séras Werk ein. Während ihres Aufenthalts in Balzers konnte sie diese Sprache und ihre Besonderheiten nicht in Büchern erforschen, sondern vielmehr in den Strassennamen der Gemeinde entdecken. Eine Strasse, an der einst ein Garten mit Apfelbäumen zu finden war, existiert heute nur noch als Schild mit dem weissen Wort «Böngerta» auf blauem Hintergrund. Dies verdeutlicht eindrucksvoll, wie Sprache die Erinnerung an vergangene Orte und Geschichten bewahren kann. Doch kaum jemand denkt darüber nach, wo dieser Apfelbaumgarten heute noch existiert. Alles, was davon übrig bleibt, ist der Name auf dem Strassenschild in einer Sprache, die heutzutage von niemandem mehr gesprochen wird.

Im Herzen ihres Balzner Tagebuchs finden sich Worte, eine Ansammlung von Gedanken und Zitaten von Hannah Arendt, kunstvoll zu einer Collage unterschiedlicher Elemente komponiert. Diese drei primären Elemente sind erstens Haare, gesammelt von Einheimischen. Das zweite Element sind hauchdünne Holzbahnen – ein Abfallprodukt der Möbelherstellung, das sie in zwei Koffern aus Graubünden mitgebracht hatte. Das dritte Element ist der Austausch mit den einheimischen Bewohner*innen.

Das gesprochene Wort, das seit dem Mittelalter – oder wenn nicht gar länger – durch die Strassen von Balzers wandert und von Mund zu Mund weitergegeben wird, findet in ihrer Arbeit eine lebendige Fortsetzung. Hanga Séra bewahrt diese Worte sorgsam auf, verewigt sie in den Holzbahnen und in den Einträgen ihres Balzner Tagebuchs, um die Erinnerungen an den Apfelbaumgarten zu bewahren, selbst wenn dieser längst gefällt wurde.

Die Tagebucheinträge entfalten sich zu kunstvollen Kompositionen. Die Haare fugieren einerseits als partizipatives Element, gestiftet von den Einheimischen, anderseits als Bindeglied zu ihrer früheren Arbeit «Corona Diary». Die Holzbahnen knüpfen ihrerseits eine Verbindung zum jüngsten Werk «Zurich Diary» aus dem Jahr 2023.

Your breath is my home. Dieser Satz findet sich in keinem Buch. Er wurde von Hanga niedergeschrieben. Er wurde von Hanga erschaffen und wird jedes Mal aufs Neue erschaffen, wenn er ausgesprochen wird, um die unverfälschte Wahrheit zu verkörpern und keinerlei Raum für Banalitäten zu lassen. Die Wahrheit, die in diesem Satz liegt, ist so tiefgründig, dass sie niemals einer Lüge weichen sollte. Um sicherzustellen, dass dieser Satz in diesem geschützten Rahmen der unbestrittenen Wahrheit entspricht, wählte sie die linke Hand zum Malen ihrer Kompositionen. Diese Hand gilt als die «unbefleckte» Hand, die reine Hand, die niemals eine Lüge niedergeschrieben hat. So rein, dass sie es vielleicht nicht einmal kann oder noch nie gelernt hat.

Der Ansatz, diese tiefgründigen Einsichten in ihrer vollen Intensität zu erfassen und zu verinnerlichen, könnte einer der Hauptgründe sein, der Hanga dazu inspiriert, persönliche und intime Reihen zu erschaffen. Hanga Séra bewegt sich durch diese bildliche Kompositionen und drückt ihren kreativen Prozess auf folgende Weise aus: «Ich trage die Farbe genau dort auf, wo das Bild das zu benötigen scheint.». Doch ihre Worte tragen eine tiefere Bedeutung in sich, die auf dem ersten Blick vielleicht unbeachtet bleibt. Somit distanziert sie sich von der blossen Sachlichkeit einer Landkarte.

Ihre Kunst zeichnet sich stets durch die subtile Transformation des Vorhandenen aus. Indem sie das Vertraute verinnerlicht und ihm eine neue Identität verleiht, verwandelt sie das Alte in etwas Neues, das Bekannte in das Unbekannte. Ihre Arbeit zeigt, dass sie die Landkarte nicht einfach als nüchternes Abbild von Meeren, Strassen, Städten und Ländern betrachtet, sondern als eine abstrakte Bildkomposition, die noch unvollkommen ist. Ihre künstlerische Intervention vervollständigt das Bild und verleiht ihm etwas Harmonisches und dennoch so persönlich, was in seiner ursprünglichen Form nicht vorhanden war.

Ihre Arbeit ist geprägt von der Idee des Sammelns und der Neuerfindung. Jeder gesammelte Gegenstand bringt seine eigene, oft verborgene Geschichte in sich, die Hanga behutsam neu interpretiert. Auf diese Weise wird die alte Geschichte zu einem integralen Bestandteil ihrer eigenen künstlerischen Biographie. Diese Gegenstände, die in ihrer ursprünglichen Verwendung keine Bedeutung mehr haben, finden in Hangas Kunst ein neues Leben und eine neue Bestimmung.

Die Alltagsgegenstände, die niemand mehr benötigt und die Hanga Séra in ihre Kunst integriert, werden zu Poesie. Dieser Übergang von Alltäglichem zum Poetischen spiegelt sich nicht nur in den Ready-Made-Objekten wider, sondern auch in der beinahe kindlichen Naivität, mit der sie die Welt betrachtet und ständig neu entdeckt. Sie zeigt uns, dass sich die schlichte Schönheit der Poesie sich selbst auch in einem Geographiebuch offenbaren kann und zwar in Sätzen wie «Continents move as fast as fingernails grow». Solche Sätze lassen das Leben so zart und anrührend erschienen, wie etwas, das wir behutsam an unsere Brust drücken.

«Your breath is my home» ist somit mehr als nur eine Ausstellung. Sie ist eine Liebeserklärung. Eine verliebte Serie, die auf einzigartige und persönliche Weise die Vielschichtigkeit, die Fragilität und den unermüdlichen Kampf, die mit dem Leben einhergehen, einfängt und präsentiert.

Abschliessend lade ich euch alle herzlich dazu ein, die Schönheit und die ausserordentlich komplexe, doch gleichzeitig tiefgründig einfache Welt dieser Ausstellung zu erkunden. Lasst euch von ihrer Faszination mitreissen und nehmt euch Zeit, die Werke zu betrachten und in ihre Tiefe einzutauchen. Ich wünsche jeder und jedem von euch, in dieser Ausstellung etwas von eurem ganz persönlichen «Daham» zu finden, sei es auch nur in einem einzigen Wort.

Danke.

– KI

Society has always been fearful of too much information, from the apple of the tree of knowledge to the many places the printing press was immediately outlawed. So, both the truths and media hysterics surrounding all the talk of a deteriorating society facing the rapid onslaught of the internet and digital technologies, of seemingly all images and facts available like tidal waves, makes a predictable kind of sense. In all of that we often forget the utopian dreams, the actual non-malignant possibilities, hidden within all great changes of access and action. That printing press led towards a humanist awakening, as well as the cementing of power for a different christian church. The photograph promised a form of objective truth, but better arms propaganda in ways consistently impressive and terrifying over the course of the past century. It’s a stratified hopeful aspect of all this that we witness in these works by Pascal Sender and Fridolin Schoch. Their titular tandem vibes suggest an ease of collaboration and comfort with information overlapping and feeding off of itself. With found elements, images and drawings these works speak to the opportunities of breaking away from, or maybe breaking within, two-dimensional representation without negating it. Their layering of the many, both physically and in an added digital realm, relates not to some kind of Matrix dystopia, but as a kind of joyous extension of the illusions painting and drawing have trafficked in for the past few centuries, highlighting the validity of illusory composition in a world in which the IRL is potentially subsumed by new and created realities. The layering here is both physical and conceptual, within paintings, within collaborative drawings, and an app projecting the three dimensional, further activating the existing. The graphics of today anchor these works in our time, the images all together here are not of some future but of our now. Their insistence that their work exists here, rather than in science fiction, is important and lucid. A tangle of gesture and content. The last great jump in the possibilities of two-dimensional space occurred about a century ago, as abstraction allowed the depiction of more than mere life. The early utopian hopes of the constructivists seem apt in thinking about Sender and Schoch’s experiments here. Their explorations of new possibilities in the creation of and accessing of art shows a vital reinvention of the two-dimensional in the 21st century. It’s one where computers aren’t coming for our lives and livelihoods, but might offer passages to new worlds built from all the images and information of this earth.

– Mitchell Anderson

In spring 2018, a travel grant from the Aargauer Kuratorium enabled Michael Günzburger to revisit specific places in California, places he has waited to work at for years. His research at the time focused on the topic of skin. The artist recorded his impressions and views in several drawing books, one of which is dedicated to Hidden Valley in Joshua Tree National Park.

While camping among large monzogranite boulders, Günzburger selected geological findings that interested him. On April 5 he drew some of the park's iconic barren rock formations in a non-stop session. Doing so, visual landmarks were translated into a concept of signs. If geology represents both the past and an understanding of locality in general, these personal observations, once taken out of context and place, turned into memories. The artist’s drawings of found forms transformed into imaginary entities open to different associations.

Günzburger guides our gaze along bold ink pen strokes that trace, follow and make us feel the skin of the paper, similar to the way millenia of rain falling and low temperatures worked on the valley’s surface, shaping the landscape’s unique morphology. A sensual gesture, where suggestions of bodies create an intimate moment of fantasies unleashed. Sexiness.

In addition to drawing to the point of exhaustion, Günzburger always explores the question "When is enough enough?“. In this case the series came to an end when the last page of the blank book was filled.

A set of 36 drawings from the original book will be published in an edition of 2, 1 exhibition copy. Details upon request.

Zine accompanying the exhibition published by Innen, Zurich.

As a performance and multimedia artist, Martina Morger often works collaboratively and critically questions social and economic working and living conditions. She persistently names social grievances and transforms fundamental issues of our existence into sometimes physically exhausting and sometimes unsettling performances. Martina Morger deals with the position of women and in particular with the position of the female artist in modern capitalist society. She examines and reflects on female and queer voices, addressing topics such as technology, labor and performance.

The exhibition Distant Lover refers to an unfulfilled longing, emphasizes the absence of things or of closeness and connects to an inaccessible reality. It is a reference to an achievement-orientated society: the optimization of body and mind is ubiquitous and essential for function and performance. Martina Morger precisely thwarts the inequality of this model of an ideal society and exposes the principle of the achievement subject. Exhaustion syndromes such as emotional and physical inadequacies are treated symptomatically and are in imbalance with the collective ideal of absolute performance orientation. Martina Morger finds a sensual visual language to unveil these collective inadequacy.

Martina Morger was born in 1989 in Vaduz, Liechtenstein. She studied media studies at the University of Zurich and fine arts at the Zurich University of the Arts (ZHdK) from 2015 to 2018, before completing a master’s in fine arts practice at the Glasgow School of Arts in 2019. She is co-curator of Perrrformat, which brings performance art into urban public space. In spring 2020 she completed a studio residency at the Cité Internationale des Arts in Paris and a year later she received the Manor Art Prize St. Gallen 2021. She lives and works in Balzers and Hannover.

Nadia Veronese
St Gallen, March 2022